Inception : La science des rèves.

Oubliez les micros, les appareils photos et les faux badges, l’espionnage industriel à l’ancienne, c’est has-been. Désormais, ce sont les rêves qui sont la proie des « extracteurs », des voleurs scientifiques de l’inconscient. Dom Cobb, probablement le meilleur dans cette nouvelle branche professionnelle, est engagé par Saito, riche homme d’affaires japonais, pour une mission bien plus difficile que la simple extraction : « l’inception », soit l’implantation d’une idée originale dans le rêve de la victime.  

Véritable évènement cinématographique de l’été, le nouveau long métrage de Christopher Nolan, l’auteur geek ultra bankable depuis l’excellent Dark Knight, Inception, est une sorte de film d’action best of à l’intelligence flagrante et fulgurante. 

Labyrinthe onirique ou jeu de poupées russes fantasmagoriques, le film de Nolan nous invite à oublier la douce (et certes malsaine) rêverie de Satoshi Kon (cf. Paprika, qui pourrait en être le prologue) et la théorie interprétative populaire de Freud pour plonger dans les méandres du cerveau humain, sombres et violents. Car même si la carte du « tout est permis dans les rêves » est à l’origine ludique (la présentation à la jeune Ariane et la scène déjà culte du retournement de Paris), la règle du rêve se retournant contre l’intrus entraîne un certain malaise et une férocité réelle. Il est par ailleurs regrettable que Marion Cotillard, actrice la plus faible (pas forcément mauvaise pour une fois) du brillant casting (on a hâte de revoir Gordon-Levitt, peut être en Riddler dans Batman 3 ?), incarne la plupart du temps cette agressivité. Pour la sauver, on peut se dire que la légère faiblesse dramatique du scénario (influencé, cette fois ci, par Solaris de Tarkovsky, film traitant lui aussi de l’immersion dans l’imaginaire) ne la met pas à son avantage ; une lacune peut être décidée par le réalisateur, les pleurs dans les chaumières ne semblant pas sa priorité. 

Ce qui intéresse Nolan, c’est le développement et la complexité des possibilités qu’offre sa création, en particulier le système de plusieurs niveaux, qui n’est rien d’autre qu’une utilisation originale du montage, technique qui existe depuis une centaine d’années. Chaque niveau de rêverie des personnages entraine un nouvel univers toujours référencé (Matrix, James Bond ou film de braquage). Cette diversité spectaculaire de différents genres en un même film, parfaitement rythmé dans sa deuxième partie (la première étant marquée par quelques longueurs dues à l'explication lassante du même concept) tout en se déroulant en parallèle, n’est possible que par la maîtrise du scénario et la mise en scène, vertigineuse.

En résumé : Inception est tel que nous a habitué Christopher Nolan depuis Batman Begins : un blockbuster intelligent, vif, brillamment mis en scène et interprété. Cependant, malgré ces qualités indéniables, le film peine un peu à provoquer une sincère émotion et subit quelques longueurs par ses répétitions lassantes du même concept.

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« You mustn't be afraid to dream a little bigger. »

Eames  (Tom Hardy)

*S.M.*

Man on Fire : Du sang et des larmes.

En Amérique Latine, un enlèvement a lieu toutes les heures. Par peur pour leur fille, le couple Stamos, issu d'une famille bourgeoise mexicaine, engage John Creasy, ancien agent de la CIA devenu alcoolique, comme garde du corps.

A l'instar de Denzel Washington, arme humaine à la moue facile et au sourire furtif, rien ne semble arrêter Tony Scott. Car en voulant réaliser un thriller d'action et sentimental, le cinéaste se heurte à toutes les fautes du genre et plonge droit dans le piège du film aux gros bras sans cervelle. Et encore.

Parce qu'il falloir au spectateur en quête d'action une patience exemplaire pour s'accrocher et subir prés d'une heure et demi de torture psychologique à base d'amitié entre l'alcolo à la recherche de rédemption et la gamine tellement attendrissante qu'elle en devient insupportable (Dakota Fanning, petite blonde aux yeux bleus qui semble avoir tout pris de sa mère dans le métissage). Dans méli mélo pathétique, Scott nous ressert la même rengaine hollywoodienne et ses clichés intolérables : dialogues d'une débilité et d'une miévrerie écoeurantes, scènes improbables (entrainer une gamine de huit ans à la natation à la méthode des marines américains, ça ne fait pas réagir les parents), rapprochement aussi subite que prévisible, personnages à la psychologie limitée... On se demande ainsi si Scott a lui même des enfants pour montrer un être doté d'une telle perfection. Mais soit, cette première partie fastidieuse a pour but de nous attacher aux personnages et craindre pour leurs vies. Raté.

Quand les paupières menacent dangereusement de se fermer, la partie testostérone commence enfin, pour le plaisir de ces messieurs (et certaines de ses dames, ne soyons pas misogynes). Consistant uniquement à une série de scènes de torture et de barbarisme douteuses (soit Scott est bien étroit d'esprit et ne connait pas la pitié, la dignité ou le pardon, soit il a voulu refléter un certain soldat américain de base et on peut facilement le taxer d'antiaméricanisme primaire), l'heure qui reste ressemble à n'importe quel film de sa filmographie (ou à n'importe quel film d'action, d'ailleurs). On vous cache en effet le plaisir de voir qu'en 2003, il est encore possible de réaliser des scènes d'explosion au ralenti avec le héros marchant face caméra, le visage fier et droit, lunettes de soleil sur le nez. Ou encore de faire résister ce même héros a une dizaines de balles dans le corps, sans aucun humour ou ironie sous-jacente (contrairement à des films à la Die Hard). Et n'oublions pas la figure de style préférée du cinéaste (qui semble avoir un partenariat avec des compagnies d'Aspirine) que l'on retrouve dans toute sa filmographie, consistant à un montage épileptique de n'importe quelles images sous la main, mise sans dessus dessous, zoomées, accélérées, ralenties et répétées (bizarrement aussi disponible sous les formats "dramatiques" et "flashbacks").

Le film de Scott nous avait par ailleurs habitué à une subtilité proche du néant par sa description d'une Mexique ultra corrompue (y-a-t'il un flic intègre dans le pays ?) et répugnée au plus haut point (Scott se permet même d'ironiser dans le générique de fin en remerciant Mexico City, "un endroit très spécial"), sans parler de la philosophie "à deux balles" ("Une balle dit toujours la vérité.") ; mais c'est finalement la finesse de sa morale qui trouble le plus. Man on Fire semble effectivement tenir le même discours que Taxi Driver : une sorte de croisade vindicative mêlée de rédemption et de grand nettoyage, guidée par Dieu (le héros connait la Bible, évite le suicide par un miracle et reste accrochée à son Saint jusque la fin) et par la folie engendrée par les stigmates de la guerre (Afghanistan, ici, vs Vietnam, chez l'autre). Sauf que là où Scorsese montrait l'aliénation de son héros à travers le regard des autres, Scott montre que tous ses proches (relatifs), des gens "normaux" (la mère, les deux seuls Mexicains à peu près honnêtes) l'aident et l'encouragent dans ses choix...

En résumé : Thriller d'action insipide ou film sentimental d'une mièvrerie dégoulinante, Man on Fire accumule les clichés et fautes de gout jusque dans sa morale douteuse, où Tony Scott ne fait qu'expliquer que la pitié et la dignité n'a pas sa place dans la vengeance.

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"Forgiveness is between them and God. It's my job to arrange the meeting."

John Creasy (Denzel Washington)

*S.M.*

Zombieland : No man's land.

C'est la fin du monde : depuis quelques temps, les zombies attaquent tout ce qui vit et les quelques rares survivants cherchent un endroit relativement sûr. C'est dans ce contexte que Columbus, jeune geek puceau et peureux à la liste de règles bien claire, et Tallahasse, machine de guerre déchainée à la recherche des derniers Twinkies au monde, vont se rencontrer et s'allier, par dépit, afin de rejoindre la côte Est.

Depuis The Night of the Living Dead du roi des zombies, George A. Romero, en 1968, de nombreux films de genres sont sortis sur le même principe : une poignée de miraculés versus le reste de l'humanité transformée en cadavres ambulant mangeurs de chaire humaine. A partir de ce schéma, libre aux auteurs de broder afin de créer des scénarios plus ou moins bons, plus ou moins inventifs à l'instar de Romero, dont les films étaient toujours au bord de la critique politique.

Zombieland ne fait pas exception à la règle : un scénario plus que basique (un groupe de survivants lancé dans un road trip à la recherche d'un refuge, plus une amourette, plus un désir de vengeance), des personnages stéréotypés (le geek, la machine de guerre, la bombe qui en joue et la gamine précoce), des rencontres inopportunes et épanouissantes, des décors magnifiques et vides (l'avion sur l'autoroute, le parc désert) et surtout du gore, du gore et encore du gore (splash la tête). Seulement, le premier long métrage de Ruben Fleisher crée véritablement la surprise, principalement grâce à quelques morceaux de bravoure dans sa réalisation (cf. le générique, monumental) mais surtout par son humour.

Là où la force humoristique d'un Shaun of the Dead trouvait sa source dans le détournement des codes du genre tout en les respectant, Zombieland lui crée plutôt un nouveau langage associé au film de zombies, en particulier à travers le guide de survie du personnage principal, probablement l'idée la plus originale. En effet, bercé par les films pop corn, les jeux vidéos et les comics (le style d'affichage, lieu d'une certaine recherche scénique, en est l'énorme référence, comme l'avait fait la série Heroes), le héros (à l'image d'une grande partie du public visé) se crée toute une liste de préceptes cyniques à respecter pour se maintenir en vie dans ce monde cauchemardesque : avoir un bon cardio afin de tenir la distance contre les zombies sprinters, être sûr de tirer dans la tête pour éviter une fâcheuse surprise, ne pas jouer au héros, etc. Autant de réflexions que celui qui a vu un film d'horreur dans sa vie s'est faites ("Non, ne vous séparez pas !") et qui donneront lieu à de nombreux gags sanglants. Bien sûr, la liste se trouvera étoffée et modifiée au grès des évènements et des rencontres, symbole à la finesse d'un mort vivant de la psychologie des personnages en perpétuelle évolution. Mais soit, ceux ci sont assez délirants et dotés de répliques mémorables pour nous être charismatiques et sympathiques.

Et dans le genre, Woody Harrelson tient la vedette haut la main, son show ne sera interrompu que par le caméo surprise d'un acteur à la popularité monumentale (et dont nous tairons le nom afin d'éviter le spoiler). Cette incursion démente et brillante est probablement le guest starring le plus drôle qu'il nous est été donné de voir dans un film, sa sortie, un moment d'anthologie hilarante. A l'instar de cette visite, le film vise aussi un autre public "geek", celui des cinéphiles : qu'elles soit propre au genre (Romero,Snyder ou Boyle) ou au cinéma plus "classique" (All About Eve, For a Few Dollars More ou encore Delivrance), les références se bousculent souvent avec une certaine finesse et humour, inscrivant le film dans une culture populaire et contemporaine.

En résumé : Film de zombies au schéma classique, Zombieland fait pourtant preuve d'originalité par son humour cynique et sanglant, servis par des personnages charismatiques, bien que stéréotypés, et ses références fines et recherchées.

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"You see? You just can't trust anyone. The first girl I let into my life and she tries to eat me." 

Columbus (Jesse Eisenberg)

*S.M.*

M - Eine Stadt sucht einen Mörder : Predator.

Terreur et hystérie s'abattent sur une ville d'Allemagne : un monstrueux tueur en série s'attaque aux petites filles isolées. Gênée par les rafles incessantes de la police et voyant qu'elle peine à retrouver le meurtrier, la pègre se lance à sa poursuite.

Après une douzaine de longs métrages muets dont les reconnus Mabuse le joueur, les Nibelungen ou encore la superproduction Metropolis, Fritz Lang s'attaque au cinéma sonore en 1931. Avec M - Eine Stadt sucht einen Mörder (soit M - Une ville recherche un meurtrier ; M, le maudit en VF), Lang adapte plusieurs cas réels (Haarmann, Grossmann, Kurten, Denke et peut être même le Vampire de Dusseldorf, cependant dénié par l'auteur) en un film noir unique.

Unique, il l'est du point de vue de la mise en scène. Avec M, Lang continue magistralement sur la voie de l'expressionnisme si populaire chez les cinéastes allemands de l'époque, consistant basiquement à modifier la réalité pour nous en donner une subjectivité particulière, expressive et bien souvent angoissante. Ainsi, lors de la première scène de M, où son modus operandi nous est présenté, il suffit d'une silhouette venant encadrer le terme "Mörder" pour que nous comprenons tout de suite de qui il s'agit. Puis l'ombre se déplace et le terme revient, explosant à notre regard. Ce n'est que lorsque nous verrons le meurtrier lui même, son corps et non plus son ombre, qu'il en deviendra moins inquiétant. Tel que dans le mouvement baroque, ce corps rappelle ici les failles, la faiblesse d'un homme qui se veut indomptable. Dans une scène d'approche d'une victime, M voit une petite fille dans un miroir, reflété par une vitre, liant le criminel et l'enfant pourtant séparés. C'est précisément à ce moment, le regard exorbité, agressé par des poignards, hypnotisé par une spirale, dirigé par une flèche lancinante, que nous comprenons que l'homme ne peut rien faire contre ses démons, ses fantasmes. La fuite étant impossible malgré ses efforts, M retourne à cet état de prédateur, accompagné par ce leitmotiv entêtant, une figure de style inventée par Lang pour le film.

Mais Lang ne s'arrête pas à ce symbolisme limité au récit.
En 1931, l'Allemagne est déjà marquée par la montée d'un mouvement tristement célèbre : le Parti national-socialiste des travailleurs allemand ou parti Nazi et Lang le dénonce ici tout en finesse, symbolisé, entre autres, par le personnage de Schranker, le chef de la pègre. Que ce soit son attitude (le pouvoir et la poigne), son allure générale (costume et démarche) ou ses actes (le procès prophétique contre un malade mental), tout y fait penser. Sans parler du titre tout d'abord envisagé (Mörder unter uns - Les Assassins parmi nous) refusé, car dérangeant.
M est donc un film à mettre en relation avec son époque, dont la trame est parfois un prétexte à une description détaillée de cette période sombre : lorsque le cinéaste filme les bas quartiers, l'organisation de la pègre et des mendiants, en particulier le cours "bis" du pain, ou encore le travail d'une mère ouvrière, c'est ainsi moins pour faire avancer le récit que pour décrire la misère de la basse population après la grave crise économique de 1929.

Enfin, le savoir faire de Lang pour le découpage, le montage et les mouvements de caméra trouve ici une parfaite illustration. Le réalisateur se plait a réaliser plusieurs séquences magnifiques, comme un "faux" plan séquence, puisqu'il s'agit en réalité de coller plusieurs plans courts bout à bout (cf. la bourse aux tartines), composé de panoramas et de travelings avant ou arrière, de plans illustratifs (nous voyons les lieux cités en voix off) ou  encore des montages parallèles entre chef de la police et chef de la pègre, réfléchissant à une méthode pour retrouver M. Le film est truffé de ces scènes illustres qui seront reprises par la suite (comment ne pas penser aux Griffes de la Nuit lors de la scène d'introduction ?).

D'un point de vue totalement narratif et récréatif, M est un film maitrisé, totalement original (la marque du M, la traque par les mendiants...) et digne des plus grands thrillers, où tout s'emboite, rien n'est laissé au hasard, jusqu'au grand final, où Peter Lorre fait preuve d'une justesse et d'un talent incroyables dans ce rôle de tueur malgré lui, incapable de limiter ses pulsions. Louons aussi Thea Von Harbou, malgré ses décisions malheureuses par la suite, qui a écrit probablement la plus belle scène du film, montrant en 1931 le tueur pédophile (clairement sous entendu) pour ce qu'il est : un simple être humain.

En résumé : Par sa réalisation et sa justesse, M, premier film parlant de Fritz Lang, reste gravé dans la mémoire de celui qui l'a vu, comme dans celle du cinéma mondial (voir ses descendants directs ou  indirects), comme un film noir rythmé, original et magnifique. Sans mettre à l'écart le plaisir primaire du côté divertissant de son récit, le long métrage doit aussi être loué pour sa dénonciation voilée de la montée du nazisme et pour sa représentation de la misère sociale et économique des années 1930 en Allemagne.

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"C'est une belle balle que tu as là."

M. (Peter Lorre)

*S.M.*

Valse avec Bachir : Souvenir, souvenir.

Comment peut on oublier un massacre ? C'est la question que se pose Ari Folman lorsqu'on lui demande ce dont il se souvient de la fin de la guerre du Liban, et plus précisément de l'épisode sanglant qui a eut lieu dans les camps de Sabra et Chatila en 1982. Au fil des rencontres et des interviews, il parviendra à retracer son parcours qu'il met en scène dans ce "documentaire d'animation".

Rares sont les longs métrages d'animation traitant d'un sujet un tant soit peu "sérieux", les plus emblématiques étant peut être Le Tombeau des lucioles, chef d'oeuvre d'Isao Takahata sorti en 1982, et, plus récemment, le très beau Persepolis de Marjanne Satrapi et Vincent Paronnaud (2006). Il est donc étonnant de voir un sujet aussi sombre et complexe que la Guerre du Liban être traitée par animation. En effet, le film de Folman tire tellement sur le documentaire (présentation des intervenants, témoignages sur fond neutre, travail d'enquête et de documentation) qu'il est naturel de se demander pourquoi ne pas en avoir jouer la carte "à fond". Au delà de l'évidence du choix pratique comme la mise en scène (les passages présent/passé, les passages imaginaires, la lourdeur d'une équipe technique) ou l'esthétique (le floutage - cf "l'interdiction" de photo d'un des protagonistes - aurait fait mauvais genre), les intentions du réalisateur semblent se pencher sur un choix éthique.

En effet, l'éthique (de la guerre ou du témoignage, c'est à dire son objectivité) semble traverser l'oeuvre. Comment sur un sujet qui, près de trente ans après, est toujours plus ou moins sensible pouvons nous, spectateurs et surtout occidentaux coupés du véritable conflit, croire un ancien soldat converti au 7eme art ? C'est là qu'est le génie de Folman. Il nous demande jamais de croire, il expose. Il expose les faits comme il les a lui vécu, comme l'ont vécu ses frères d'arme, comme l'a vécu un présentateur TV ou un soldat qui lui est parfaitement inconnu. Des témoignages donc et non la vérité, seulement les faits derrière le voile de la subjectivité.
Le choix de l'animation et le recul que l'on prend par rapport aux images (le choix d'une animation bien que très belle mais aussi très spéciale et un peu hermétique n'y est pas pour rien) dans ce cas précis sont à mettre en corrélation avec de nombreuses récurrences sur la mémoire et sa falsification. L'ami psychiatre ne prend il pas le temps d'expliquer l'expérience de la photo faussée ? Le narrateur, loin d'être omniscient, n'invente-il pas lui même un fait, cette sortie de la mer "now apocalyptique" ? Même d'infimes détails sur la perception sont mises à l'oeuvre pour nous pousser vers cette voie : la vision altérée à travers le judas, les doubles tremblant des chiens dans les flaques, l'apparition d'une fête foraine d'on ne sait où derrière Folman pendant l'anecdote psychanalytique...

Reste un film de guerre remarquable où les scènes de complète introspection et celle d'action pure s'entrechoquent au rythme d'une B.O. mêlant rock 80s, reprise à la sauce No Future, et de musique plus classique. Ce témoignage, certes à prendre avec des pincettes, offre à travers la petite histoire un brossage efficace de la grande, de la peur des uns et de la souffrance des autres, de la compassion de plusieurs et de la barbarie de beaucoup d'autres.

En résumé : Ari Folman signe avec Valse avec Bachir une oeuvre profonde sur un épisode tragique de la guerre du Liban tout en mettant en garde sur la subjectivité d'un tel témoignage, à l'aide d'une animation soignée.

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"As-tu des flashbacks du Liban ?"

*S.M.*

Robin Hood : parcours fléché.

Malgré le nombre d'adaptations (la première date de 1912), Robin la Capuche (la véritable traduction de Robin Hood, beaucoup moins classe que "des Bois") est resté un archétype bien précis : brigand au grand coeur, malin comme un renard (animal choisi par Disney), archer de talent combattant le grand méchant Prince Jean. Un personnage romantique donc, auquel tous les petits garçons s'identifient un jour dans leur phase "Chevalier". Cependant, le XIIIe siècle fut beaucoup plus tourmenté, plus sombre et plus crasseux que ce que Curtiz ou Reynolds nous ont montré.
Spécialisé dans la fresque historique (Kingdom of Heaven), Ridley Scott s'est donc lancé le paris de nous offrir un chevalier, certes, mais un tant soit peu réaliste pour le contexte historique : bourru, sale, mal rasé et sentant la transpiration. Bref, retour à la méthode utilisée sur Gladiator qui a revisité le genre (plus que) vieillissant du péplum.

Russel Crowe incarne donc ce certain Robin Longstride, bon à rien, à part pour la guerre, mais honnête (les jeux d'argent qu'il organise ne sont pas truqués), patriote mais quelque peu insubordonné (il se permet presque de faire la morale à Richard I), désertant finalement (en même temps, il était au pilori) de la route retour des Croisades, en compagnie de ses fidèles amis à la mort de Richard. Il devra déjouer une invasion des Français (cocorico, hum) et mener ses compatriotes à se révolter contre le nouveau roi, Jean d'Angleterre, les épuisants à coups d'impôts.

L'idée d'un préquel, d'un Robin avant les Bois (cf l'annonce finale à la Dark Knight), d'un homme du peuple avant toute chose, d'un leader né est excellente. Elle permet de différencier le véritable Robin (le film de Scott) de la légende (tous les autres), et de connaitre son ascension, chose qui n'était pas vraiment le cas dans les précédentes adaptations (Robin rentre des Croisades et n'est pas content). Cependant, son parcours n'est malgré tout que peu intéressante. Scott ne met jamais son personnage en véritable péril, jamais Robin ne se remet en question et donc celui-ci n'évoluera que très peu (voire pas du tout). Il est juste et bon mais il n'est que cela. Il découvrira son potentiel qu'avec la révélation du paternel, dont découlera la morale insipide et mainte fois revue "un dirigeant doit savoir écouter et prendre soin de ses citoyens".

Au risque de perdre une partie des spectateurs en manque d'action, Scott décide de s'attarder autant sur la facette politique de l'époque (le complot), sociologique (la misère des paysans anglais) que sur le côté épique des combats. Même si l'intention est louable et si certains passages sont très réussis, Scott semble s'y perdre un peu, comme si c'était trop à faire en peu de temps, ce qui a pour effet direct d'alourdir le récit. Les séquences de batailles, quelques peu faiblardes et tombant dans la facilité et dans le cliché (la jeune femme à la rescousse, les ralentis, les flèches à la 300), sont alors comme une bouffée d'air venant aérer le scénario aux bons moments. Si Ridley Scott manque un peu d'inspiration dans sa réalisation (certaines scènes en montrent les soubresauts, à l'instar des sublimes scènes de forêt), il lui en manque aussi dans la direction d'acteurs : Russel Crowe peine étonnement beaucoup à avoir un semblant de charisme, surtout pour un meneur d'hommes, alors qu'Oscar Isaac devient très vite insupportable dans le rôle du grand gosse de prince. C'est surement l'effet voulu mais toujours est il que le rôle du grand méchant semble parfois vacant. Et ce n'est pas les seconds rôles (Petit Jean, Will, Tuck ou encore Marshal), faisant office de tapisserie, qui parviendraient à les mettre en valeur. Seuls la rayonnante Cate Blanchett et le respectable Max Von Sydow parviennent à tirer leurs épingles du jeu.
L'utilisation de la musique de Marc Streitenfeld, qui, à l'exception de la musique de taverne, n'est pas très transcendante, et surtout des chants grégoriens aux moments tristes est juste agaçante alors que les décors et les costumes, dont l'importance est capitale pour un film d'époque, sont superbes et magnifiquement mis en valeur.

En résumé : Robin Hood revient aux sources du mythe pour établir une version réaliste et plausible de la légende. Cependant, entre complot politique un peu confus et batailles déjà vues, Ridley Scott se perd un peu en route alors que Russel Crowe ne fait pas beaucoup d'effort pour faire honneur au meneur d'hommes du titre. 

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"Rise and rise again,

Until lambs become lions."

*S.M.*

La Nuit du Chasseur : Il était une fois...

Afin de subvenir aux besoins de sa famille, un certain Ben Harper dévalise une banque et tue deux hommes pour s'échapper. Avant d'être arrêté, il confie à ses enfants l'endroit où il a caché les 10 000$ dérobés.
C'est en prison qu'il rencontre le révérend Harry Powell, un prêcheur fanatique qui découvre l'affaire. A sa libération, il fera tout pour retrouver le butin, quitte à menacer les deux enfants.

Unique film réalisé par l'acteur britannique Charles Laughton, La Nuit du Chasseur est une vraie merveille à la gloire des contes pour enfants. Reprenant le bon vieux manichéisme qui faisait le bonheur de notre jeunesse, Laughton met en scène une sorte de grand méchant loup revisité (terrifiant et hypnotisant Robert Mitchum) à la poursuite de deux pauvres petits orphelins, dans un univers où chaque ombre nous apparait sorti tout droit d'un cauchemar.

Adapté du roman de David Grubb, le scénario prend aux tripes et regorge de rebondissements grâce auxquels les spectateurs se prennent vite d'affection pour les deux enfants, les accompagnant dans leur fuite et craignant l'avancée dangereuse du pasteur. L'interprétation exemplaire y est pour beaucoup, en particulier celle du géant Mitchum, bien sûr, mais aussi la rassurante Lilian Gish, ancienne star du muet, et la désemparée Shelley Winters. Celle des enfants, loin d'être parfaite, donne cependant un cachet supplémentaire au film.

La réalisation abonde de trouvailles, surtout pour un premier film. La qualité des décors et des créations visuelles (à voir la magnifique scène de la fuite en bateau) est un brillant et surprenant hommage, d'autant plus que nous sommes ici à Hollywood en 1955, au cinéma expressionniste allemand des années 1920, magnifié par Fritz Lang (M le Maudit) ou encore Friedrich Murnau (Nosferatu). La réalisation de Laughton, qui peut parfois être d'une sobriété éclatante, fige presque certaines séquences (dans les chambres, par exemple) comme une illustration démoniaque de la fable, aidé par la photographie splendide de Stanley Cortez. Le réalisateur s'essaye aussi à des genres différents tels que le western (la marche du pasteur) ou le film noir, avec une maitrise identique.
Le travail de Walter Schumann sur la musique donne une pesanteur particulière à cette ambiance et même les chansons intégrées, une habitude de l'époque, sonnent terriblement à nos oreilles, à l'instar de cet échange musical et religieux entre la nourrice ayant recueilli les enfants et le prêcheur.

L'une des nombreuses autres qualités du film appartient étonnamment au champ de la satire. Ainsi, le film ne nous montre pas n'importe quel "méchant" mais effectivement un machiavélique homme de foi jouant de son image soit disant immaculée pour épouser une veuve, et ce avec le consentement enthousiaste de toute la communauté de fidèles du village. Ce sont ces mêmes fidèles qui, certes sous l'impulsion du malin, vont devenir de plus en plus fanatiques au point que leurs messes dominicales ressembleront plus a des réunions sectaires qu'à l'église bienheureuse de La Petite Maison dans la Prairie. La critique de la sexualité des prêtres est aussi l'un des moteurs de l'histoire puisqu'elle accompagne indéniablement la montée de violence (refoulement et frustration par peur du "pêché") du pasteur envers sa femme, la résignation de celle ci et sa fuite dans la religion même, laissant champ libre à son mari. Le manichéisme, déjà bien entamée par la mort du père pour sa famille, semble alors remis en question. Peut être est-ce là aussi l'une des raisons du flop commercial du film, le spectateur lambda n'aimant pas trop que l'on touche à sa brave communauté.
Notons enfin tout le travail de Laughton sur la dichotomie sur le fond et la forme avec, entre autres, le monde des enfants et celui des adultes, le bien et le mal, le jour et la nuit, la nature et la ville, le travail en studio et en extérieur, le noir et blanc, renforçant cet esprit dualiste cher aux contes.
En résumé : Signant son unique film, Charles Laughton met en scène dans un univers de cauchemar un Robert Mitchum diablement envoutant, travaillant sur un manichéisme de façade (cachant une critique sévère de la religion et de ses pièges) et un expressionnisme digne du cinéma expressionniste allemand des années 20. Au final, La Nuit du Chasseur est un véritable chef d'oeuvre, hommage aux contes de notre enfance

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"There's too many of them. I can't kill the world."
Reverend Harry Powell (Robert Mitchum)

*S.M.*

Alice au Pays des Merveilles : Tim in Disneyland.

Les derniers films du grand Tim Burton avaient laissé planer le doute. En effet, depuis Big Fish en 2003, le réalisateur semblait s'être détaché de son univers sombrement et délicieusement gothique (Sleepy Hollow) pour un monde plus féerique et enfantin mais ne faisant pas l'unanimité, à l'instar de son adaptation de Charlie et la Chocolaterie. Cependant, la sortie de sa comédie musicale sanglante Sweeney Todd avait remis les comptes à zéro, et peu de monde pouvait prétendre quel direction avait pris le cinéaste pour son prochain film : une adaptation libre d'Alice au Pays des Merveilles et sa suite par Lewis Caroll, qui, sous ses façades de contes gentillets, cache une véritable malaise, destinant le livre aussi bien aux adultes qu'aux enfants.

Alice, 19 ans, jeune fille assez débridée dans l'Angleterre du XIXe siècle, décide de suivre un étrange lapin blanc durant une fête mondaine, en l'honneur de ses fiançailles arrangées. Se baissant trop près du bord d'un terrier, elle fait une longue chute pour enfin se retrouver dans un monde enchanté : le Pays des Merveilles. Dans cet endroit étrangement curieux habités par des animaux parlant et des créatures terrifiantes, Alice fera la rencontre de nombreux personnages, dont le Chapelier Fou féru de thé, qui lui rappelleront sa précédente visite et l'inciteront à prendre les armes contre le règne de la maléfique Reine Rouge.

Dés les premières minutes, Burton semble revenu aux origines et à sa gloire passée. Soutenu par la composition toujours aussi superbe de Danny Elfmann (mais malheureusement jouant un peu trop la carte du déjà entendu tant la ressemblance avec la bande originale de Charlie est frappante), le cinéaste nous plonge dans une Angleterre Victorienne d'une grande beauté et laissant transparaitre quelque chose de sombre sous le vernis de la magnifique photographie de Dariusz Wolski. La découverte du monde nouveau qui s'offre à la jeune fille est tout aussi merveilleux : les décors, magnifiés par la 3D, sont réellement splendides et le look de certains des habitants, tels que Tweedledee et Tweedledum ou encore le Chapelier Fou, sont joliment trouvés.

Seulement, après quelques temps, l'émerveillement laisse place à la déception. Outre le fait que le décor et que les personnages s'avèrent au final plats et sans vie (la nostalgie des marionnettes et du décor en carton pointe le bout de son nez), Tim Burton ne semble plus savoir ou donner de la tête. Le film sombre alors dans une succession de péripéties s'enchainant trop vite, où le spectateur aura du mal à faire le point, et un défilé de personnages, certes beaux et bien habillés, mais ne provoquant d'émotion que chez les plus petits d'entre nous.

C'est alors que la vérité éclate. Tim Burton, père du poétique et torturé Edward aux Mains d'Argent, a perdu les manettes et c'est le magnat de l'attraction et de l'argent, Disney, qui s'en est emparé. Et encore, un Disney affaibli. En effet, le film, devenu trop lisse et mielleux, reposant sur une réflexion sur l'identité tout ce qu'il y a de plus réchauffée et mettant en scène des scènes d'action sans grand suspense (le combat final à la Narnia), ne peut pas être l'enfant pleinement désiré de l'imagination sombre (et pourtant accessibles aux moins de 14 ans) du créateur de Beetlejuice. Les quelques secondes du "guigendélire" du Chapelier (qui manque décidément cruellement de folie - et il en va de même pour toute sa troupe) sur de la musique supposée pop semble confirmer cette triste hypothèse... D'autant plus triste que l'adaptation animée de 1951 semblait beaucoup plus déjantée et malsaine.

Seules quelques scènes, comme cette inquiétante comptine du Chapelier, semblent montrer les douloureux sursauts du cinéaste.

Enfin l'interprétation est beaucoup trop inégal. Les acteurs fidèles au réalisateur (le très bon Depp à l'accent russe, comme à son habitude, mais laissant parfois un peu trop transparaitre un gout de Sparrow, et l'excellente et délurée Bonham Carter en tête) parviennent à sortir la tête du trou ce qui n'est pas toujours le cas pour les nouveaux venus (la légèrement fade Wasikowska et le tout simplement mauvais Glover).

Ainsi, il semble évident que Tim Burton se sent beaucoup plus dans son élément dans des films plus... "intimistes" (Edward, Beetlejuice et même Batman) que dans des grandes fresques chevaleresques et héroïques, à la Disney.

En résumé : Après un début très réussi, Tim Burton nous emmène dans un monde magnifique mais qui s'avère finalement bien fade, peuplé de créatures certes parfois très bien incarnées, mais manquant cruellement de folie et de profondeur pour intéresser les plus exigeants.

**°°

" Have you any idea why a raven is like a writing desk?"

- Mad Hatter (Johnny Depp)

*S.M.*

Vilaine : l'Effroyable Destin de Mélanie Lupin.

Nathalie, jeune fille naïve, sensible et au physique plutôt ingrat, attend depuis longtemps le prince charmant. Elle n'hésite donc pas une seconde à déclarer à tout le monde qu'un bel anonyme lui propose via Internet de la rencontrer le soir de la Saint Valentin. Son bonheur sera réduit en cendres lorsqu'elle découvrira que sa cousine, belle et populaire, a monté ce rendez vous avec deux de ses amies afin de la ridiculiser. Mélanie décide alors de quitter sa réputation de "bonne poire" et devenir Vilaine, une femme assumant son physique, prête à tout pour se venger.

Vilaine, premier long métrage du duo Jean-Patrick Benes et Allan Mauduit, aborde le thème moult fois abordé de la revanche d'une pauvre fille sur son entourage très très méchant mais en y apportant le plus de la parodie, celle du Fabuleux Destin d'Amélie Poulain, film extrêmement populaire de Jean Pierre Jeunet, et du conte moderne à la Cendrillon. En effet, de la campagne publicitaire à la photographie en passant par le narrateur, les auteurs/réalisateurs ont voulu ainsi faire une anti Poulain. Mais cette bonne idée tourne vite, après quelques minutes, au clin d'oeil un peu forcé.

Mettant en scène des humoristes bis de la télévision (Frédérique Bel de la Minute Blonde, Thomas Ngigol du Jamel Comedy Club, PEF des Robins des Bois) et du cinéma (Marilou Berry et Joséphine de Meaux de Nos Jours Heureux, film devenu légèrement "culte") avec plus ou moins de réussite, le film s'avère drôle et frais avec un humour faussement grinçant mais tombe peu à peu dans piège des pitreries ne soulevant que difficilement un sourire et de la mièvrerie insupportable, sans oublier la caricature à outrance et ses clichés (les belles débiles, la moche intelligente et les hommes blaireaux).

En résumé : Vilaine promettait d'être une parodie d'Amélie Poulain drôle, rafraichissante et grinçante, mais abandonne malheureusement le combat à la moitié du film pour succomber à la facilité du cliché et des bons sentiments.

**°°

*S.M.*

Shutter Island : une histoire de fous.

Le film étant basée sur un twist final (une révélation inattendue), il est peut être préférable d'avoir vu le film avant de lire cet article.

Il est amusant de voir qu'un réalisateur adulé comme l'est Martin Scorsese a pu être fortement critiqué ces dernières années, que ce soit par les critiques ou les fans, et notamment depuis sa rencontre avec sa nouvelle muse, Leonardo DiCaprio. En ce début de 2010, tout le monde a donc les yeux rivés sur la nouvelle collaboration du réalisateur de Taxi Driver et l'ex Jack de Titanic, ici dans l'adaptation du best seller de Dennis Lehanne (2003), déjà connu pour les romans à l'origine des films Mystic River et Gone Baby Gone.

En 1954, à la suite de la disparition mystérieuse d'une patiente, les deux US marshalls Teddy Daniels et Chuck Aule débarque sur l'île de Shutter Island, au large de Boston, transformée en gigantesque asile psychiatrique pour dangereux criminels. Cependant, au fur et à mesure de l'enquête, Daniels découvre la vérité derrière les apparences.

Dés les premières minutes baignant dans une gris terne et froid, plan centré sur son nouvel acteur fétiche en train de vomir, Scorsese met les cartes sur tables : Shutter Island sera sombre, très sombre, et bousculera le spectateur et la star.

En effet, l'acteur semble totalement débrider son talent et nous livre ainsi, jusqu'à la dernière minute, une prestation magistrale, qui nous glace le sang. "Leo" quitte enfin son image de jeune éphèbe pour devenir un acteur charismatique et torturé (cf le dernier flash, prodigieusement mis en scène et interprété, incontestablement LA scène du film). Cette interprétation hors du commun éclipse un peu celle des autres stars qui sont pourtant toutes excellentes, de Mark Ruffalo, tout en finesse, à Ben Kingsley, parfaitement intriguant, en passant par Michelle Williams, envoutante.

Autour de ces rôles parfaitement joués, Scorsese s'essaye au film de genre et crée une atmosphère magnifiquement lourde, tendue et effrayante (la séquence de l'aile C et sa boîte d'allumettes), le décor magnifique de l'île lui aussi y jouant une grande part. Le cinéaste semble ainsi s'amuser comme un petit fou lorsqu'il s'agit d'étouffer ses personnages et ses spectateurs dans un univers où tout semble fermé : la tempête, l'île, le destin des personnages. Même la pluie leur barre littéralement la route.

Mais l'ambiance du film ne serait rien sans le travail remarquable sur la musique (il n'existe pas de musique originale pour le film) de Robbie Robertson, proche d'un Bernard Herrmann en grande forme période Psycho (la comparaison n'est peut être pas fortuite).

Scorsese a en outre du s'attaquer au problème du twist final utilisant brillamment les nombreux détails scénaristiques et de mise en scène (faux raccords, plan centré sur certains détails) à ces fins. Il est alors peut être assez décevant que le spectateur attentif découvre la vérité au bout d'une demie heure, d'autant plus que tout le film repose sur cette révélation (au contraire d'un film comme Incassable), révélation laissant par ailleurs un goût de déjà vu. Cependant, une grande partie du plaisir découlera ainsi d'une réflexion à propos des nombreux détails parcourant l'oeuvre.

En résumé : Collaborant une nouvelle fois avec Leonardo DiCaprio, devenu un acteur complexe et talentueux, Martin Scorsese retrouve la route vers la gloire d'antant avec cette réalisation quasi parfaite, emprunt d'une atmosphère réellement étouffante. Cependant la révélation finale s'avère peut être un peu trop réchauffée et prévisible.

***

" We gotta get off this rock, Chuck. "

Teddy Daniels (Leonardo DiCaprio)

*S.M.*

Avatar

Après Titanic et comme cela était mentionné dans la bande annonce, James Cameron nous promettait donc, d'ores et déjà, un nouveau chef d'oeuvre (si nous pouvons qualifier Titanic de chef d'oeuvre, bien sûr). Aussi, il y a quelques temps, Avatar sortait en salle, provoquant un vaste engouement de la part du public dans le monde entier pour cette histoire que le réalisateur/scénariste aurait, soi disant, mis des dizaines d'année à écrire :

L'aventure se déroule dans un futur qui semble lointain, dans un monde très lointain lui aussi : la planète Pandora que l'homme a déniché à des années lumières de cette bonne vieille Terre. Une nouvelle planète où vivent des créatures du nom de Na'vi, des extraterrestres bleus, pourrions nous dire, et qui se trouvent en parfaite harmonie avec la nature qui les entoure. Les Na'vis n'exploitent pas les énergies naturelles de leur monde afin de moderniser leur vie mais préfèrent se tourner vers des rites "religieux" et des croyances magiques. L'homme quant à lui, qui, vous l'aurez compris, a le mauvais rôle, veut exploiter les énergies de cette terre qui ne lui appartient pas. Pour ce faire, il crée des avatars qui sont des des hybrides créés génétiquement en croisant l'ADN humain avec celui des habitants de Pandora afin d'infiltrer la communauté Na'vi. Il se trouve que le héros de notre histoire, Jake Sully, un marine en fauteuil roulant(qui a toutes ses jambes dans le monde de Pandora), tombe très vite amoureux de cette nouvelle terre ainsi que d'une Na'vi. Il fera ainsi tout pour préserver Pandora et sa dulcinée, se dressant contre ses semblables.

Il est alors tout à fait légitime de penser qu'il y a comme un air de déjà vu. Rappelez vous, c'était au temps de la conquête de l'Amérique, un célèbre homme blond britannique foule alors le sol des Indiens afin de conquérir le continent de notre chère Pocahontas. Le scénario d'Avatar n'apparait donc pas comme la meilleure facette de ce film qui pourrait presque nous dire "la violence pour conquérir une terre ne sert à rien, au contraire, il faut savoir la préserver". Voici donc, une belle petite morale de la part de la plus grande industrie américaine de tous les temps : Hollywood... On pourrait presque y croire.

Que reste-t-il donc de bien dans ce film ?

C'est des lunettes 3D qui donnent l'air de vouloir faire de la plongée sous marine qui répondent à la question. Il faut dire que le film est extrêmement bien réalisé, en prévision de cette troisième dimension. Les décors sont exceptionnels et les couleurs du monde de Pandora bien choisies. L'informatique atteint là un sommet. On ne parle pas de Chéri, j ai rétréci le public, cette célèbre attraction de Disney où toute la salle se mettait à crier quand elle manquait de se faire dévorer par une fourmi pendant 3 minutes. Non, il s'agit bien là, d'un film en relief 3 dimensions qui dure bel et bien 2h41 sans interruption d'effets plus surprenants les uns que les autres. On en a plein les yeux. On nous donne ce qu'on voulait, ce dont tous les journaux et les télés ont parlé pendant un mois. Alors, on semble satisfait.

Et, une fois le film fini, on remonte à la surface, on enlève les lunettes, on respire un bon coup et on prend du recul. Comme La Sortie de l'usine des frères Lumière, ce film marquera surement l'histoire du cinéma. Il sera donné en exemple comme premier film en relief 3D, mais surement que les enfants de nos enfants rangeront ce film dans les archives qu'ils ne souhaiteraient voir qu'en cas de longues études dans le domaine du cinéma.

A.B.A.

"Vous pouvez aussi m'appelez Altesse, si vous êtes attaché aux titres"

A Los Angeles, le Duc (Dude en V.O.) interprété avec talent par Jeff Bridges, vit des jours heureux mais surtout des jours sans travailler. Monsieur le Duc est en fait un grand fainéant qui signe des chèques de 69 centimes et joue au bowling toute la journée avec ses deux amis : Walter Sobchak un juif, ex-chrétien qui se dit vétéran du Vietnam, et Donny à qui on dit souvent de la "fermer" (sic).

Alors, lorsqu'un chinois (ou "un américain d'origine asiatique") pisse sur le tapis du Duc en lui demandant de l'argent, celui ci réalise que l'homme le plus riche de la ville porte le même nom que lui. Lebowski se rend donc chez Lebowski, joint à la bouche, afin de lui demander un nouveau tapis. Ce qu'il n'aurait du jamais faire car, bientôt, le voilà entrainé dans une folle aventure d'enlèvement.

L'humour absurde et noir sont tous deux de rigueur. Et, on rit. On rit et on ne se lasse pas de regarder ce Duc se la couler douce alors qu'une petite bande de mafieux lui tourne autour pendant que Walter, sort une arme à feu et menace un joueur de bowling d'une balle en pleine tête si il n'avoue pas avoir mordu la ligne et mériter donc un zéro. Tout ceci ponctué par des "Tu vas la fermer Donny ?".

Ce n'est pas un film sur la drogue, la mafia, la malchance, la malhonnêteté, la religion, les femmes ou les hommes. C'est "seulement" le septième film des frère Coen, peut être la meilleure comédie jamais réalisée, un film culte à ne louper sous aucun prétexte. Après Fargo, les frères nous signent donc un nouveau chef d'oeuvre qui est bien loin d'être le dernier.

C'est un film sur, à la fois, la drogue, la mafia, la malchance, la malhonnêteté, la religion, les femmes et les hommes. Les frères Coen, par le biais de Lebowski donnent un certain regard de Los Angeles. "La cité des anges où il n'y a pas vraiment d'anges" et où le Duc semble être un ovni. On ne savoure plus la vie, on court après l'argent et le sexe. Le dialogue n'existe plus ; l'histoire se déroule pendant la guerre en Irak de Bush père qui sonne comme un écho à celle du Vietnam. L'histoire recommence : pas de place pour les pacifistes et ceux qui trainent du pied, comme le Duc.

Pourtant, c'est le Duc qui tient bon, alors que tout s'écroule autour de lui. Il reste là, sirotant son white russian en peignoir de bain et caleçon s'annonçant déjà comme une valeur sûre mais surtout absurde car chez les Coen, on répond à l'absurde par l'absurde.

Les répliques fusent, les lieux s'enchainent jusqu'à devenir carrément psyché (une femme peint nue en volant au dessus de son atelier), l'histoire est intrigante et aurait presque réussi à nous arracher quelques larmes au bord de l'Océan... Si seulement y'avait pas eu ce foutu Vietnam.

"Change rien Duc, continue de te la couler douce"

"T'inquiètes, le Duc tient bon"

"Le Duc tient bon. Vous je sais pas, mais moi, ça me réconforte, c est bon de savoir qu'il y a, le duc, à se la couler douce, en notre nom à tous"

A.B.A.

A Serious Man : Why so serious ?

Le cinéma des frères Coen des années 2000 est marqué par un bilan mitigé, à l'instar de leurs trois derniers films : un film commercial et/ou raté (Ladykillers, 2004), un chef d'oeuvre (No Country for Old Men, 2007 - 2 Golden Globes, 4 Oscars) et un film divisant les fans et la presse (Burn After Reading, 2008). C'est donc peu dire que ce Serious Man était attendu au tournant.

Après un prologue au sujet d'un dybbuk dans un pays d'Europe de l'Est anonyme (on comprend alors que les Coen vont nous surprendre - cf. l'apothéose de la séquence finale), nous faisons la connaissance de Larry Gopnik, professeur de physique à l'Université de Minneapolis, archétype du héros coenien et dépressif. Et il faut le comprendre : sa femme veut divorcer au plus vite et sans bavure pour se remarier avec une de leurs connaissances, ses enfants ne relèvent même pas la crise et ne pensent qu'aux Jefferson Airplanes ou à se refaire le nez, son frère ainé, dont l'état de santé se dégrade dangereusement, ne semble jamais vouloir quitter le cocon familial, un étudiant asiatique le pousse à accepter un pot de vin en échange d'une meilleure note... Bref, les malheurs s'accumulent à la porte de ce cher Larry qui se décident à consulter plusieurs rabbins qui s'avéreront tous plus incapables les uns que les autres.

Un univers délirant donc, bien reconnaissable des frangins, où ceux-ci poursuivent leur réflexion philosophique de prédilection, soit "Comment un homme simple, ordinaire, "sérieux", peut perdre le contrôle de la situation et frôler la folie". Ce "culte" du malheur, présent dans la presque totalité de leur filmographie, de Sang pour Sang à No Country en passant par The Big Lebowski, est pour la première fois lié à une certaine autobiographie. En effet, le Middlewest des années 60 et la communauté juive y sont dépeints avec beaucoup de précision, nous faisant profiter d'une immersion totale à travers une foule de détails (les termes hébraïques - hermétiques mais facultatifs -, la Bar Mitzvah, le bureau du dernier rabbin, la banlieue 60s) et d'une photographie rappelant certains magazines de l'époque (Roger Deakins).

Accompagnée d'une bande originale à la fois mystérieuse et lourde (Carter Burwell, se surpassant) et de petites envolées rock (Jefferson Airplane), la réalisation nous démontre une fois de plus le brio des frérots pour les atmosphères tendue (les longs travellings), la perte de prise sur les évènements et enfin, la folie (les rêves et surtout la somptueuse séquence du toit). Les Coen prennent même le luxe de s'aventurer sur la route de l'hommage au muet avec de nombreux plans sur leurs personnages grimaçants et plus pathétiques les uns que les autres, mais toujours touchés d'une immense tendresse (on a parfois l'impression que même les créateurs ne désirent pas leur malheur).

Aussi, les acteurs, inconnus du grand public (à l'inverse de BAR), sont pour la plupart tout simplement parfaits (mention particulière à l'acteur principal, Michael Stuhlbarg), leur jeu n'étant pas pour rien dans cette tension perpétuelle et cette douce schizophrénie.

Notons enfin que le rythme, déjà pointé du doigt par certains spectateurs, rappelant les classiques des Coen que sont Barton Fink ou Fargo, l'écriture exemplaire et l'humour noir-juif, glacial, peut rebuter le spectateur s'attendant à un nouveau Burn After Reading.

En résumé : Les frères Coen, brillants philosophes du malheur, nous entrainent dans la descente aux enfers de leur pathétique personnage dans une Amérique des années 60 avec un humour juif, glacial et délicieusement sombre, nous offrant peut être leur chef d'oeuvre.

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" The Uncertaintly Principle. It proves we cant ever really know... what's going on. "

Larry Gopnik (Michael Stuhlbarg)

*S.M.*

Incassable : inclassable.

Depuis son plus jeune âge, Elijah Price, atteint de la "maladie des os de verre", l'ostéogenèse imparfaite, se réfugie dans les comics, ce qui deviendra une véritable passion. Lorsqu'il découvre que David Dunn, gardien de stade, marié (mais sur la voie du divorce) et père d'un enfant, est l'unique survivant d'un grave accident de train (131 morts tout de même), et ce, littéralement sans égratignure, il émet la théorie qu'il pourrait être son exact opposé : un homme invincible, une sorte de super-héros. Le prenant d'abord pour un illuminé, David découvre peu à peu qu'Elijah n'aurait peut être pas tout à fait tort.

Un an à peine après son film au succès mondial Sixième Sens, M. Night Shyamalan se lance dans un sujet qui l'a toujours passionné et faisant partie intégrante de la culture populaire américaine : le mythologie super-héroïque. En 2000, le film de super-héros est mort et enterré depuis les méfaits de Joel Schumacher sur la saga Batman - on ne sait au juste si, avec Batman & Robin, il a tenté de faire un hommage raté à la série des années 60, de réaliser un hymne à la culture gay ou de tout simplement ruiner la franchise - et seul Bryan Singer et la Fox y croit encore et commence à tourner leur X-Men. De son côté, Shyamalan donc tente redonner ses lettres de noblesse au comics au cinéma, se rapprochant d'un Frank Miller.

La grande force de Shyamalan dans ce film, au contraire des sagas Marvel ou DC - jusqu'au Dark Knight de Nolan - a été de destiner un film de super-héros non pas à des enfants mais à des adultes. Ici pas d'explosions, de super vitesse ou de combats titanesque. Le seul combat qu'on aura verra Buce Willis (rappelant qu'il sait aussi jouer des rôles dramatiques) affrontant un tueur, détruisant au passage un ou deux murs en contreplaqué. A côté de la scène d'ouverture de X-Men 2, on se pourrait se demander si c'est réellement un film de super-héros. Mais si l'intérêt ne se porte pas sur le côté puéril et régressif des comics, c'est que Shyamalan s'attarde plus sur les tourments des deux personnages principaux (le divorce, l'handicap, l'obsession), méthode déjà à l'oeuvre dans Sixième sens. Ainsi, Samuel L. Jackson joue à la perfection son personnage d'être solitaire, tellement abattu, écrasé par le regard des autres, qu'il en devient (on l'apprendra à la fin, donc attention spoiler) schizophrène et ne vit que pour trouver son ennemi, sûr qu'il découlera de cette lutte un sens à sa vie. La scène de dénouement et de la divulgation, séquence ô combien attendue depuis Sixième Sens, même si elle peut ne pas autant surprendre que son prédécesseur (les critiques de l'époque disaient être déçus), semble être présente plus par un soucis de finir le film sur un suspens (cependant maitrisé) qu'une volonté propre du réalisateur. Ce n'est pas cette recherche qui semble intéresser le réalisateur.

C'est dans la réalisation que Shyamalan semble désirer s'épanouir, marquée par exemple par de nombreux plans séquences magnifiques, à l'instar de la scène du train, la caméra (et ainsi le spectateur incarné ici par une petite fille) essayant de glisser un regard entre deux sièges sur ce spectacle apparemment simpliste, une fois de plus accentué sur les rapports humains plutôt que sur l'évènement en tant que tel.

Aussi, Shyamalan s'attarde sur le motif du miroir (la scène d'introduction, où le regard du spectateur se perd, le reflet d'Elijah dans une glace protégeant une comics mettant en scène une lutte super héroïque) avec tout ce qu'il représente : le dédoublement, l'inverseur de vérité, les os d'Elijah, fragiles comme du verre...

En outre, le film s'interroge remarquablement sur la signification des couleurs. Les flashs de Dunn, par exemple, sont en noir et blanc et seul la couleur des vêtements des malfaiteurs sont en couleurs (jaune, rouge), de plus en plus vive au fur et à mesure qu'il apprend à les maitriser, et les deux personnages antagonistes, sur le principe des comics, possèdent leur couleur propre (violet pour Elijah, vert pour David). Mais, de ce côté, le caractère le plus fouillé est peut être cette atmosphère bleutée et lugubre, pouvant faire penser à un étrange reflet de l'eau ou à un effet glacé, comme les pages d'une bande dessinée.

En résumé : M. Night Shyamalan, épaulé par les excellents Bruce Willis et Samuel L. Jackson, parvient à redonner ses lettres de noblesse au comics en l'intégrant complètement à la réalité et en ne tombant pas dans le danger du film puéril et régressif.

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" They called me Mr. Glass. "
Elijah Price (Samuel L. Jackson)

*S.M.*

Yuki et Nina : promenons-nous dans les bois...

Yuki, jeune métisse franco-japonaise de 9 ans, apprend que ses parents vont se séparer et qu'elle devra déménager au Japon avec sa mère. Elle décide alors de faire son possible avec Nina, sa meilleure amie, pour empêcher l'inévitable. Après quelques idées infructueuses, elles choisissent de fuguer.

Hippolyte Girardot cosigne ici son premier long métrage avec le réalisateur japonais Nobuhiro Suwa, déjà remarqué pour ses films tels que M/Other, H story ou encore Un Couple parfait (déjà en partenariat avec la France). Yuki et Nina a tout du téléfilm de France 3 suivi par les ménagères (ne m'obligez pas à citer L'Instit...) : un drame familial tout ce qui a de plus banal, le film centré sur les enfants, etc. Mais voila contrairement aux téléfilms sus-mentionnés, le film touche à la vérité (et à la perfection, soit dit en passant comme ça vous savez à quoi vous attendre).

En choisissant de faire jouer deux enfants non professionnels ("Pas comme ces singes savants américains, redoublés par des femmes adultes essayant tant bien que mal de les imiter, ce qui est vraiment ridicule...", dixit Girardot à l'avant première à Lille du 4 décembre 2009), les cinéastes prennent le pari soit de se planter, soit de faire du film une œuvre intense, dense et, par dessus tout, crédible. Et... (suspens) pari tenu. La petite Noë Sampy n'essaye donc pas d'être une enfant réservée, traumatisée par le divorce de ses parents mais ne le montrant pas, elle l'incarne avec une fragilité et un caractère propres aux "vrais" enfants. De même, la petite Arielle Moutel, autre pendant de cette enfance si proche et en même temps si lointaine, apparait aussi autoritaire que touchante. Les deux actrices adultes, Marilyne Canto et Tsuyu Shimizu (amatrice), sont exceptionnelles dans leurs rôles de mères désarmées face à l'incompréhension de leurs filles.

Bien qu'il soit loin d'être ennuyeux, le film suit un rythme assez lent, idée renforcée par des plans séquences d'une beauté extrême (Tsuyu Shimizu se mettant réellement à pleurer lors d'une scène et s'excuse non pas auprès de sa fille mais des réalisateurs) où le spectateur expérimente le temps qui passe, temps qui est l'ennemi de l'amour et de l'amitié, ce que comprendra la jeune Yuki.
Jamais de tout le film les cinéastes sombrent dans le danger, ô combien tentant, du misérabilisme et la sur-accumulation dramatique.
La deuxième partie du film est marquée par une ambiance merveilleuse de contes où les deux jeunes filles s'enferment dans leur monde empli de débats sur les loups-garou et de cochons dans le ciel. Épisode d'une beauté infime et d'une liberté absolue, tant dans la forme, dans le jeu ou dans le scénario. Aussi, le film tire sur le fantastique lors d'une ballade de Yuki qui se mêle à son imagination et rappelant les grandes aventures de notre enfance faits de précipices/trottoirs et de lacs de lave/passages piétons. En outre, cette ambiance mêlée à une thématique très japonaise (la forêt semble réellement posséder une âme à travers la caméra des cinéastes, par un jeu de lumière par exemple) n'est pas sans rappeler les films de Hayao Miyazaki (Le Voyage de Chihiro, Mon Voisin Totoro...).
La fin du film verra la réconciliation de la mère et de la fille, lorsqu'enfin cette première se souviendra de l'enfant qu'elle a été et qu'elle a vécu les mêmes tourments que sa fille.
En résumé : Cette coréalisation franco-japonaise montre toute la virtuosité de Girardot et de Suwa lorsqu'il s'agit d'être au plus près de l'enfant, ses craintes et son monde ainsi que du thème du divorce sans jamais tomber dans le mielleux et l'overdose émotionnelle.

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"J'ai eu peur que tu te perdes, peur que tu reviennes pas..."
Frédéric (Hippolyte Girardot)

*S.M.*

Se7en : sept journées en Enfer.

Deux inspecteurs, l'un expérimenté et désespéré, l'autre nouveau et grande gueule, enquêtent sur un tueur en série, suivant les sept péchés capitaux.

Seven, à l'intrigue plus que classique, réinvente paradoxalement les codes du thriller. En effet, David Fincher nous fait suivre une semaine d'enquête de deux policiers dans une grande ville anonyme (bien que son nom ne soit jamais mentionné, on peut entre-apercevoir l'inscription New York sur certains panneaux). Rien de très original, donc. De même, les personnages sont pour le moins classiques et stéréotypés : un vieux baroudeur (Morgan Freeman, tout ce qu'il y a de plus parfait), las d'un monde dominé par la violence et à une semaine de la retraite, et un petit jeune (Brad Pitt, le héros maudit et charismatique, toujours aussi bon quand il y met du sien), beau parleur et colérique, issu d'un petit village du fin fond des États Unis, perdu dans sa nouvelle ville. Une ville glauque et poisseuse perpétuellement sous la pluie. Ici réside le paradoxe : deux flics banals, que l'on pourrait voir dans n'importe quel film policier, limite anachronique, évoluent donc dans une ambiance ultra-réaliste, blafard et maussade, renforcé par la caméra-voyeur de Fincher et la musique de Howard Shore. Le schéma de l'enquête est elle aussi basique : meurtre, enquête, indice, meurtre...

La première originalité vient, elle, des meurtres en eux même. Précurseur des Saw, chaque meurtre est un chef d'œuvre de sadisme et suit un péché capital : la gourmandise illustrée par un obèse mort d'un éclatement de l'estomac suite à l'ingestion d'une quantité astronomique d'aliments, une prostitué pénétrée par un godemiché surmonté d'un couteau afin d'illustrer la luxure etc. Ainsi apparait le paradoxe : comment deux enquêteurs ordinaires peuvent ils arrêter un tueur qui ne l'est pas? Réponse simple : ils ne le peuvent pas.

John Doe, le tueur, joue au chat et à la souris avec les héros tout au long du film. Ceux ci touchent au but mais sont finalement incompétents face à l'esprit retors et machiavélique de Doe, qui ferait pâlir d'envie tous les Hannibal Lecter de l'univers. Alors l'enquête piétine. Le duo retrouve la trace du serial killer? Doe avait prévu le coup, sème le plus vieux et manque de tuer le jeunot. Impossible à arrêter, le criminel se rend en définitive de lui même à la police et se met à prêcher les héros. Lors de cette scène, Kevin Spacey, incroyablement charismatique, hypnotise littéralement le téléspectateur, tiraillé entre les arguments du tueur (tout le monde vit dans le péché, cohabitant avec des pourritures sans nom et laisse aller) et ses méthodes. La scène finale est magistralement interprétée (le trio d'acteur a rarement été aussi bon) : la caméra et la musique deviennent hystériques, le cœur du spectateur bat à tout rompre, le piège se referme. Le héros devient l'assassin et le tueur parvient à ses fins.

Rares sont les scénarios (du moins à l'époque) poussant leurs héros aussi irréprochables dans les bras du méchant de service. Le twist final est tout de suite devenu un exemple du genre et l'effet fonctionne toujours aussi bien, et ce malgré le fait qu'il est assez facile à deviner aujourd'hui. Andrew Kevin Walker transforme donc l'essai avec un premier scénario anti manichéen, intelligent et novateur.

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En résumé : Un scénario surprenant mis en scène par un David Fincher sombre et pervers et interprété par un trio d'acteurs exceptionel.

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"Ernest Hemingway once wrote, "The world is a fine place and worth fighting for." I agree with the second part."
- Willliam Sommerset (Morgan Freeman)

*S.M.*

Kahloucha VHS: made in Tunisia

Dans un quartier populaire reculé de la ville touristique de Sousse en Tunisie, un peintre en batiment fait rêver les jeunes ainsi que les vieux. Moncef Kahloucha a la quarantaine et depuis son enfance il reve de travailler dans le cinéma. Alors comme le cinéma n'est pas venu à lui, c'est lui qui est allé à sa rencontre.Ainsi,Les week end et les jours fériés un vrai tohu-bohu anime la cité. Au rythme des tournages de Kahloucha on se sent revenir à l'enfance.Lorsque la vie n'était qu'aventure tous les jours...

Moncef Kahloucha dans "Tarazane el arab" (le tarzan des arabes)

Et quoi de plus beau que, accoudé dans un café, une chicha dans la bouche, assister à tout ce vacarme en sachant qu'on ne risque rien? Une bagarre par ci (avec du vrai sang!), une explosion par là, un incendie, une noyade, un meurtre et revoilà Moncef qui repasse l'air de rien sur son vélo se dirigeant vers le souk. Un souk tout ce qu'il y a de plus normal un dimanche matin en Tunisie. Il faut trouver le décor pour un salon. Une vieille télévision fera l'affaire. Il s'agira de bien la détruire dans la scène finale car Moncef Kahloucha n'a le droit qu'à une seule prise de vue (la télévision ne pouvant se casser qu'une seule fois). En effet Kahloucha se révèle être un homme très minutieux. Chez lui, comme pour chez tous les grands réalisateurs, les détails ont leur importance jusqu'au controle anti piratage qu'il met en place.Mais malgrè toutes ces précautions, au plus grand bonheur des petits et des grands, Moncef Kahloucha demeure un homme maladroit. Ainsi il manque de noyer une de ses actrices lors de prises de vue, il se met certains acteurs à dos en oubliant de mentionner leur présence dans son film...

Au delà de son documentaire sur cet homme c'est avec un grand talent que Néjib Belkadhi (réalisateur du documentaire kahloucha) peint un tableau d'une certaine société tunisienne. Ce quartier aux petites ruelles, sales, pourtant situé dans la plus grande ville touristique tunisienne, entourée de casinos et d'hotels à gogo, est connu pour sa misère. Là bas, déchirés entre tradition et modernité, les femmes sont encore obligée par leur mari de porter le voile, tout en espèrement secrètement jouer dans le film du réalisateur producteur et acteur. La jeunesse voulant imiter le mode de vie occidentale finit mal. Quand elle n'est pas saoule, elle se fait attraper par la police. Chacun espère s'en sortir et pour les plus chanceux la clandestinité en italie est le seul refuge.Ainsi Moncef Kahloucha incarne le reve ou la folie d'une société écrasée par la mondialisation.Une société qui a encore envie de rire et l'instant d'un "film" rêver.

Un film documentaire centr pour cent tunisien à voir et qui annonce qu'une nouvelle ère est arrivée en tunisie en matière de réalisation cinématographique...

A.B.A.

2012.

"Ca te dit d'aller voir 2012 au ciné?" m'a lancé mon colloc' l'autre jour.
"Ouais"
Et donc, me voilà, moi, étudiante en cinéma, essayant de me dissimuler dans le noir de la salle pour qu'aucun camarades de classe ne me voit, devant ce "fameux" film Hollywoodien.
Mais bon, j ai une bonne excuse.
Tout le monde en parlait autours de moi, il fallait absolument que j'y aille, ne serait ce que pour être pour une fois à la mode.
Et puis, ça a commencé.
Et puis, ça a fini. Un vrai soulagement.
Chouette apocalypse, des héros qui font rêver, des gens sympa prêt à mourir dans la bonne humeur ...





2012 ou bienvenue dans le coeur de la machine Hollywoodienne en 2009.

Prenez un Roland Emerich en manque d'inspiration et prêt à réécrire le scénario du jour d'après, en rajoutant quelques milliers de dollars en plus pour les effets spéciaux.
Rajoutez-y une pincée de peur ou d'exaltation (cela dépend des individus)
et surtout n'oubliez pas, votre calendrier Maya.
Mélangez le tout au milieu d'une terre prête à exploser, imploser, et vous obtiendrez, le nouveau navet à la mode.

C'est l'histoire d'un père de famille, incarné par John Cusack qui apprend que l'apocalypse est proche et qui décide d'aller sauver son ex femme,le nouveau mari et ses deux enfants. Alors que la terre se fond en deux derrière lui, il a le temps de garer sa voiture, chercher sa "famille"et repartir.
Un petit avion les attend, le beau père a pris deux cours de pilotage dans sa vie. Il fera l'affaire. Et le voilà navigant dans les airs, évitant des tours qui tombent en miette en dirigeant son avion encore mieux que les meilleurs pilotes de l'air du monde.
Pendant que le monde suit son apocalypse, lentement mais surement, les aventures se poursuivent pour la courageuse famille.
Plus tard, les voilà dans un avion de ligne, direction la chine car des "navettes" ont été construite la bas afin de sauver les élites des pays.
Et puis, les choses suivant leur cours, le beau père devient un peu encombrant. Pas grave, on saura pleurer sa mort mais tout sera très vite oublié.
La famille est complète, réunie, l'apocalypse a eu lieu.
On est vivant et heureux de l'être.
L'an 1 peut alors commencer.
Et on a envie de rire. Ou de pleurer.
Je comprends pas pourquoi c est le cinéma Français qui est en danger. Pourquoi je fais des études. Et à quoi ça me servirait de devenir scénaristes.
Y a comme un malaise. Plus de passion dans les écrits scénaristiques. On ne sait plus écrire de dialogue convenable. On pompe ici et là, des phrases déjà vu ailleurs. Ce genre de phrase :
"Our challenge, which is also a tremendous opportunity, is to open up to a literally life-changing way of thinking ourselves into existence."
Et pourtant à la sortie, une fille a dit :"C est fou ce que ce film peut ressortir des émotions inconnues"
Sommes nous arrivés à ce point là de naiveté?
Je sais pas ce que vous en pensez mais comme on dit sur facebook "J'aime pas"

A.B.A.